Rudi Gernreich über Unisex-Mode

Rudi Gernreich über Unisex-Mode

Rudi Gernreich, der in Österreich geborene Avantgarde-Modedesigner der 1950er und 1960er Jahre, findet in seiner Auseinandersetzung mit der Wirkung androgyner Kleidung auf die Geschlechterrollen stilistische Substanz.


Jenseits der entblößten Brust

HEUTE ist der ÖSTERREICHISCH-AMERIKANISCHE DESIGNER Rudi Gernreich (1922-85) vor allem für seinen Oben-ohne-Badeanzug, den sogenannten Monokini, der von Peggy Moffitt verkörpert wurde, bekannt. Dieses ikonische Bild, zusammen mit seinen sogenannten „verrückten“ Designs in psychedelischen Farben und schlanken Space-Age-Silhouetten, hat im Volksmund sein Werk definiert. Als Designer definierte er eine Ära des Modejournalisten für Die New York Times, Bernardine Morris nannte ihn „den führenden Avantgarde-Designer des Landes der 1950er und 60er Jahre“. Gernreichs Einfluss war jedoch tiefgreifender: von seiner Beteiligung an den frühen Strängen der amerikanischen Schwulenrechtsbewegung bis hin zu seinen kühnen und oft kontroversen Aussagen, die er als Designer machte, der die Rolle der Mode in der Kultur hinterfragte. Trotzdem ist Gernreich eher eine Fußnote der Modegeschichte als eine kulturelle Ikone einer Generation geworden, ein Titel, der dem dynamischen Designer mehr gebührt.

Gernreichs Oben-ohne-Anzug wurde zum ersten Mal fotografiert für Aussehen Magazin im Juni 1964, aber das unbekannte Model hielt sie zurück zur Kamera. Das erste Mal, dass es bei einem Model mit entblößten Brüsten erschien, war in Damenbekleidung täglich später in diesem Monat auf der ikonischen Peggy Moffitt.

Die Geschichte des Designers beginnt in der düsteren Umgebung des Vorkriegseuropa. Gernreich und seine jüdische Mutter flohen aus Wien nach Kalifornien, kurz nachdem die Nazis 1937 Österreich beigetreten waren. Nach einigen kurzen Stationen in Hollywood, wie zum Beispiel seinem Job als Skizzenzeichner für die berühmte Kostümbildnerin Edith Head (viel später fertigte er entzückende Kostüme für Otto Premingers furchtbar schlechtes Musical Skidoo) begann er 1950 mit der Produktion von Designs für die Modeindustrie. Zu dieser Zeit wurde er romantisch mit Harry Hay verbunden, einem politischen Aktivisten, der oft als Begründer der modernen Schwulenrechtsbewegung bezeichnet wird. Während ihrer dreijährigen Beziehung gründeten sie die Mattachine Society, Amerikas erste Schwulenrechtsorganisation. Gernreichs Teilnahme an der Gruppe war kurz, aber entscheidend, sie dauerte nur wenige Jahre, und danach gab er seine Homosexualität nie wieder öffentlich zu. Sein Mitbegründer und Ex-Partner Hay ging in die andere Richtung und gründete in den 1970er Jahren die Radical Faeries, eine „schwule Hippie“-Gruppe, die bis heute international aktive Mitglieder hat.

Gernreich (mit Krawatte) gründete zusammen mit Harry Hay die Mattachine Society, oben links.

Gernreichs kurze, aber einflussreiche Beteiligung an der Geschichte der Schwulenrechtsbewegung überlebt in einem Mattachine-Notizbuch im Archiv des Designers an der UCLA in Kalifornien. Eine bestimmte Seite enthält Notizen für eine geplante Diskussion über „Camping“ – sich empörend und weiblich zu verhalten. Der Ton seiner Fragen ist für 1951 überraschend vorsichtig und lautet: „Da wir uns einig sind, dass Camping ein bewusster homosexueller Ausdruck ist, was ist dann unbewusstes homosexuelles Verhalten [?]“ und „Wie kann Camping zu einem akzeptablen homosexuellen Ausdruck werden? “ Nachdem Gernreich 1953 die Gruppe (und Hay) verlassen hatte, gab er diese oder irgendeine Verbindung mit den Rechten von Schwulen nie wieder öffentlich zu, obwohl seine Arbeit als Designer weiterhin Ideen von radikalem Denken und persönlichem Ausdruck verkörperte. Als Gernreichs Oben-ohne-Badeanzug 1964 zum ersten Mal auf den Markt kam, war das Design a Erfolg des Skandals, die als Reaktion rund 20.000 Presseartikel inspirierte. Das Design entstand auf Anregung von Susanne Kirtland, Redakteurin bei Aussehen Magazin und las Gernreichs Äußerungen über den bevorstehenden Wahn nach „Oben ohne“. Kirtland kontaktierte den Designer im Jahr 1962 und bat ihn, einen Oben-ohne-Anzug zu machen, er widersprach, weil er befürchtete, dass dies seine Karriere ruinieren würde. Kirtlands Antwort war: „Oh, aber Sie müssen, ich habe schon die Freigabe vom Frontoffice.“ Gernreich räumte schließlich ein, motiviert von der Angst, dass sein Konkurrent Emilio Pucci zuerst einen Oben-ohne-Anzug machen würde. Obwohl das Design kein kommerzieller Erfolg war (nur 3.000 Exemplare des Anzugs verkauft), brachte dieses einzelne Kleidungsstück Gernreich aufgrund seiner gewagten und aufschlussreichen Natur in die Geschichtsbücher ein. Aber das war nicht die Aussage des Designers. Für Gernreich hatte die Geste ihre Wurzeln in seiner europäischen Erziehung, das Kleidungsstück war progressiv und implizit feministisch: Wenn Männer oben ohne gehen können, warum nicht Frauen? In einem Essay für eine Tournee-Retrospektive der Designerin „Fashion Will Go Out of Fashion“ unterstreicht die Autorin Elfriede Jelinek die Wertigkeit des Anzugs und erklärt, dass Gernreich „es nicht tut, um die Nacktheit der oberen Körperhälfte der Frau zu betonen . Stattdessen, indem er diesen Teil des Körpers teilweise freilegt, kleidet er ihn, aber auf eine andere Art und Weise, und erschafft ihn so neu.“ Trotzdem war die Reaktion der amerikanischen Medien grinsend und Gernreich wurde danach mit der „Verrücktheit“ und „Verrücktheit“ in Verbindung gebracht. verrückten" Styles dieser revolutionären Zeit Mitte der sechziger Jahre, einem Klischee, dem er sich nie entziehen konnte.

Standbilder aus dem Kurzfilm „Basic Black“ von William Claxton, Ehemann der Gernreich-Muse Peggy Moffitt, von Gerneichs Mode von 1967.

1967, auf dem Höhepunkt seines Ruhms, schloss Gernreich sein Atelier und erzählte Die New York Times dass er „erschöpft“ war. Er hat nie wieder eine große Sammlung aufgebaut, sondern der Presse weiterhin düstere Vorhersagen gemacht. 1970, Leben Magazin bat ihn, die Zukunft der Mode vorherzusagen, arrangierte Gernreich, dass ein Paar Models bei einer Werbeveranstaltung nackt und komplett rasiert auftraten. Später erklärte er: „Was Unisex bedeutet, ist, dass wir jenseits der Pathologie sind und die Mode am Ende ist.“ Der Tod der Mode wurde zu seinem großen Thema: „Mode wird aus der Mode kommen“, sagte er Forbes. Zu einem anderen Interviewer sagte er: „Ich bin nicht darauf aus, die Mode zu töten. Es ist schon fertig. Das Wort hat keine Bedeutung. Es steht für all die falschen Werte. Snobismus, Reichtum, die wenigen Auserwählten. Es ist asozial. Es isoliert sich von der Masse. Heute kann man nicht asozial sein, also ist die Mode weg. Schon das Wort ist etwas peinlich geworden. Kleider. Gang. Das sind die Worte von heute.“ Diese Breitseiten trugen wenig zur Karriere des Designers bei und wurden von der Modepresse weitgehend ignoriert.

Rudi Gernreich’s ‘Unisex Fashions’, die erschienen in Leben Magazin im Jahr 1970, als Mode-Shooting ‘Double Exposure’.

Zwei Jahre nach seinem Tod im Jahr 1985 gab Peggy Moffitt, seine Muse und Freundin, dem Fashion Institute of Technology ein Interview, das die Grenzen seines aktivistischen Ansatzes für den Designer aufzeigt. Sie erklärt: „Er mochte die Vorstellung, der Prophet zu sein. Es ist toll zu prophezeien, aber dann sagst du: „Peggy, können wir das erste Stück sehen?“&8230 Er liebte es, in den Schlagzeilen zu stehen. Aber er liebte es nicht mehr, diese Kleider zu machen.“ Bei näherer Betrachtung hat Gernreichs Karriere weitreichende Auswirkungen, die über sein „Monokini“-Design hinausgehen. Im Herzen war er ein Aktivist mit progressiven und kontroversen Designaussagen, die von der Presse oft missverstanden wurden. Was die Branche wollte, waren die damals so beliebten Klamotten, aber Gernreich hatte eine Fülle von Ideen. Es ist interessant zu spekulieren, ob er fünfzig Jahre nach dieser radikalen – und falsch interpretierten – Oben-ohne-Geste seine letzten Jahre damit verbrachte, sich zu wünschen, er hätte diesen Badeanzug überhaupt nie gemacht.


Unisex

Mode für die 70er Rudi Gernreich Vorhersagen vom 1. Januar 1970 Life Magazine

“Winter oder Sommer, Mann oder Frau, jeder wird sich gleich kleiden.

“Bei kaltem, winterlichem Wetter, prognostiziert Gernreich, „werden sowohl Männer als auch Frauen schwere, gerippte Trikots und wasserdichte Stiefel tragen.”

Lange vor dem Online-Shopping hat er richtig vorausgesagt:

„Es wird unmöglich sein, wegen des Verkehrs zu Geschäften zu fahren, also werden alle Kleidungsstücke aus einem Katalog oder einem Fernsehgerät bestellt.”

Vor PETA hatte er auch Recht in Bezug auf das Meer von Kunststoffen, in dem wir in diesem von Quiana konsumierten Jahrzehnt ertrinken würden.

„Und da Tiere, die jetzt Wolle, Pelz und Leder liefern, so selten sein werden, dass sie geschützt werden müssen und das Weben von Stoffen wie Baumwolle zu mühsam wird, werden die meisten Kleidungsstücke ausschließlich aus billiger und wegwerfbarer synthetischer Strickware bestehen.“

Mode für die 70er Rudi Gernreich Vorhersagen vom 1. Januar 1970 Life Magazine

„Kleidung wird weder als männlich noch als weiblich identifiziert, sagt Gernreich und sagt den Unisex-Wahn richtig voraus.

„Also werden Frauen Hosen und Männer Röcke tragen. Und da es bei Nacktheit keine Zimperlichkeit gibt, wird durchsichtige Kleidung nur aus Bequemlichkeitsgründen durchsichtig sein.”

Vielleicht in Anspielung auf seinen Oben-ohne-Badeanzug, der in den 1960er-Jahren für Furore sorgte, sagte der Designer voraus:

„Wenn das Wetter es zulässt, werden beide Geschlechter mit nacktem Oberkörper herumlaufen, obwohl Frauen einfache Schutzpasten tragen. Schmuck wird nur als Gebrauchsgegenstand existieren, das heißt, um etwas hochzuhalten oder zusammenzuhalten, wie einen Gürtel, oder als Information, wie eine Kombination aus Wetteranzeige, Kompass und Radio für Armbanduhren.”

“Die Ästhetik der Mode wird den Körper selbst weiterentwickeln. Wir werden dem Körper beibringen, schön zu wachsen, anstatt ihn zu bedecken, um Schönheit zu erzeugen.”


Rudi Gernreich Kleidungsstücke in A Queer History of Fashion

Wir freuen uns sehr, dass zwei Rudi Gernreich Kleidungsstücke aus unserer Kollektion in Eine queere Geschichte der Mode: Vom Schrank auf den Laufsteg im Museum bei FIT. Geöffnet bis 4. Januar 2014, Eine queere Geschichte der Mode untersucht die "signifikanten Beiträge von LGBTQ zur Mode"
(lesbisch-schwul-bisexuell-transgender-queer) Personen in den letzten 300
Jahre." Mit etwa 100 Ensembles, die von der Herrenmode des 18. Es hat eine wundervolle Presse bekommen, also wenn Sie in New York sind, verpassen Sie es nicht!

Rudi Gernreich (1922-1985) war zu Lebzeiten nicht öffentlich out. Wie viele andere bekannte Designer hielt Gernreich seine sexuelle Orientierung vor der Öffentlichkeit verborgen. Privat engagierte sich Gernreich jedoch in wichtigen Bemühungen zur Entstigmatisierung der Homosexualität. 1950 ging Gernreich eine romantische Beziehung zu Harry Hay ein. Hay hatte eine Idee für einen Geheimbund entwickelt, der schwule Männer unterstützte, und suchte nach Gleichgesinnten, die sich seiner Gruppe anschließen wollten. Gernreich unterstützte Hays radikalen Plan und gründete zusammen mit einer kleinen Gruppe von Freunden die Mattachine Society. Der erste Zweig der Gesellschaft hatte seinen Sitz in Los Angeles, obwohl bald Ableger in anderen städtischen Zentren entstanden. Mit ihrem Schwerpunkt auf der Verringerung der Isolation und der Förderung der gemeinsamen Sache unter schwulen Männern war die Mattachine Society eine der frühesten Gruppen für die Rechte von Homosexuellen in den Vereinigten Staaten.

Kaftan
Rudi Gernreich
1970
Nachlass Rudi Gernreich Nachlass
G85.331.17

Dieser Kaftan (einer von zwei Gernreich-Kaftanen, die wir ausgeliehen haben Eine queere Geschichte der Mode) ist der ultimative Ausdruck von Gernreichs Abneigung gegen Mode, die Bewegung einschränkt. Als Designer arbeitete Gernreich an der Befreiung des Körpers. Seine No-Bra-BHs, ungefütterte BHs, die einen natürlichen Look bieten, und der berühmte Monokini, der die Brust entblößt, demonstrieren diese Anstrengung. Obwohl viele von Gernreichs Designs jugendliche Körper betonten, schlug Gernreich mit diesem Kaftan eine Unisex-Uniform für ältere Menschen vor.

Dieser Seidenkaftan wurde für die Expo 1970 in Osaka, Japan, entworfen und wurde für maximalen Komfort entworfen. Anstatt den Körper zu betonen, wurde er entworfen, um den Körper zu abstrahieren. In Gernreichs Worten: „Wenn ein Körper nicht mehr betont werden kann, sollte er abstrahiert werden.“ 1 Um vom Körper abzulenken, setzte Gernreich sowohl die voluminöse Silhouette als auch das farbenfrohe, abstrakte Muster ein

Wie viele spätere Designs von Gernreich waren diese Kaftane absichtlich unisex. Um den Unisex-Look zu vervollständigen, empfahl Gernreich sowohl Männern als auch Frauen, sich den Kopf zu rasieren, damit ihr Geschlecht weniger erkennbar war. Das Interesse des Designers an Unisex-Kleidung kann als weiterer Ausdruck seines Interesses an geschlechtsneutraler Kleidung angesehen werden, die es Männern und Frauen ermöglicht, sich ohne Rücksicht auf gesellschaftliche Einschränkungen umfassender auszudrücken.

Sehen Sie unsere beiden Rudi Gernreich Kaftane in Eine queere Geschichte der Mode im Museum at FIT bis 4. Januar 2014. Ich hoffe, Sie haben die Möglichkeit, diese Ausstellung zu sehen! Wenn ja, schreiben Sie uns und lassen Sie uns wissen, was Sie von Gernreichs Unisex-Kaftanen halten.

1 "Mode für die ྂer." Leben (9. Januar 1970), 118.


Eine kurze Geschichte der Unisex-Mode

Im März hat sich das Londoner Kaufhaus Selfridges einem radikalen Makeover unterzogen und drei Stockwerke seines Kaufhauses in der Oxford Street in geschlechtsneutrale Einkaufszonen verwandelt. Androgyne Schaufensterpuppen trugen Unisex-Kleidung von Designern wie Haider Ackermann, Ann Demeulemeester und Gareth Pugh, und die Website des Ladens erhielt ein ähnlich geschlechtsloses Redesign und zeigte die gleichen Produkte bei männlichen und weiblichen Models. “Agender,” das temporäre Pop-up-Shopping-Erlebnis—oder das Experiment— genannt, erwies sich letztendlich als Marketinginstrument als erfolgreicher als eine Einzelhandelsrevolution, wie einige Modejournalisten betonten, die heutige Kleidung “sind viel der bei jedem Geschlecht sowieso gleich.”

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Aber das war nicht immer so. Wie Freud es ausdrückte: “Wenn Sie einem Menschen begegnen, ist die erste Unterscheidung, die Sie machen, ‘männlich oder weiblich?’ statt des 19. Jahrhunderts hätte er guten Grund zum Zögern gehabt. In einer Zeit, in der Geschlechternormen und viele andere Normen in Frage gestellt und demontiert wurden, war Unisex-Kleidung die Uniform der Wahl für Soldaten in den Kulturkriegen.

In ihrem neuen Buch Sex und Unisex: Mode, Feminismus und die sexuelle Revolutiongreift die Professorin der University of Maryland, Jo Paoletti, den Unisex-Trend auf, eine Säule des Feminismus der zweiten Welle, deren Einfluss noch heute nachhallt. Wie Paoletti erzählt, war Unisex-Kleidung ein Babyboomer-Korrektiv für die starren Geschlechterstereotypen der 1950er Jahre, selbst eine Reaktion auf die verwirrenden neuen Rollen, die Männern und Frauen durch den Zweiten Weltkrieg auferlegt wurden. Der Begriff “gender” begann in den 1950er Jahren verwendet zu werden, um die sozialen und kulturellen Aspekte des biologischen Geschlechts zu beschreiben. Die Unisex-Kleidung der 1960er und 70er Jahre strebte an, „Geschlechtergrenzen zu verwischen oder zu überqueren“, letztendlich lieferte sie jedoch „Gleichmäßigkeit mit maskuliner Neigung“, und der kurze Flirt der Mode mit Geschlechterneutralität führte zu einer „ 8220stilistisches Schleudertrauma” von offensichtlicher geschlechtsspezifischer Kleidung für Frauen und Kinder ab den 1980er Jahren.

Was die amerikanische Modeindustrie betrifft, kam und ging die Unisex-Bewegung in einem Jahr: 1968. Der Trend begann auf den Pariser Laufstegen, wo Designer wie Pierre Cardin, Andre Courreges und Paco Rabanne einen egalitären “Space . heraufbeschworen Alter” von glatten, einfachen Silhouetten, grafischen Mustern und neuen, synthetischen Stoffen ohne historische Geschlechterzuordnungen. Als Frauen ihre BHs verbrannten (symbolisch, wenn nicht buchstäblich), schufen US-Kaufhäuser spezielle Abteilungen für Unisex-Mode, obwohl die meisten von ihnen 1969 geschlossen hatten. 8221 Kleidung, die in niedlichen Anzeigen, Katalogseiten und Schnittmustern beworben wird. “Der Unterschied zwischen Avantgarde-Unisex und der späteren Version” Paoletti, “ist der Unterschied zwischen grenzenlosen Designs, die oft von androgyn aussehenden Models modelliert werden, und einer weniger bedrohlichen Variante, die von attraktiven heterosexuellen Paaren getragen wird .”

Kinder trugen die Hauptlast des Unisex-Wahns: Hosen für Mädchen, lange Haare für Jungen und Ponchos für alle. “Babyboomer und Generation X haben in der Regel sehr unterschiedliche Erinnerungen an die Unisex-Ära,” Paoletti bemerkt, und ihr Buch ermöglicht es den Lesern, die progressiven Absichten hinter dem Trend zu bewundern, während sie vor dem Ergebnis zurückschrecken. Obwohl die Eltern befürchteten, dass die Durchsetzung starrer Geschlechterstereotypen für Kinder schädlich sein könnte&8212ängste, die durch neue wissenschaftliche Beweise geschürt wurden, dass Geschlechterrollen in jungen Jahren erlernt und formbar waren&8212die Verlegenheit, mit einem Mitglied des anderen Geschlechts verwechselt zu werden, hinterließ bei vielen bleibende psychologische Narben ihrer Nachkommen. Kleine Kinder trugen jahrzehntelang geschlechtsneutrale Kleidung (und spielten mit geschlechtsneutralem Spielzeug), bevor “unisex” zu einem Modewort wurde, aber die aggressive “non-gendered” Kindererziehung der 1970er Jahre brachte Neutralität auf ein neues Niveau Kinderbücher und Fernsehsendungen zeigten, dass Jungen mit Puppen spielten und Frauen an Autos bastelten. Erst in den 1980er Jahren wurden die selbstverwirklichenden Lektionen des bahnbrechenden Kinderbuchs (und der von Prominenten erzählten LP) Frei zu sein … Du und ich erlag dem Princess Industrial Complex, einem Trend, der sich gerade erst zu korrigieren beginnt. (Eine 35-jährige Jubiläumsausgabe von Frei zu sein … Du und ich wurde 2008 veröffentlicht.)

Obwohl Unisex-Kleidung darauf abzielte, die Geschlechterunterschiede zu minimieren, hatte sie normalerweise den gegenteiligen Effekt.

Obwohl Unisex-Kleidung darauf abzielte, die Geschlechterunterschiede zu minimieren, hatte sie normalerweise den gegenteiligen Effekt. Wie Paoletti schreibt, “ der Reiz der Unisex-Mode für Erwachsene war der sexy Kontrast zwischen der Trägerin und der Kleidung, der tatsächlich die Aufmerksamkeit auf den männlichen oder weiblichen Körper lenkte.” Nehmen Sie den Kostüm-Modedesigner Rudi Gernreich, den Erfinder der Monokini und der Unisex-Tanga—erstellt für die Fernsehserie 1975-77 Raum: 1999. Gernreich stellte sich 1999 als geschlechtsneutrale Utopie von Overalls, Rollkragen und Tuniken vor. Technisch gesehen unisex, machten diese eng anliegenden Kostüme das Geschlecht der Trägerin deutlich sichtbar, und sie behielten traditionelle Geschlechtsmerkmale wie BHs, Make-up und Schmuck für Frauen bei.

Die Unisex-Bewegung mag die Kleidung von Frauen maskuliner gemacht haben, aber sie hat sie nie unweiblich gemacht. "Versuche, das Aussehen von Männern zu feminisieren, erwiesen sich als besonders kurzlebig", bemerkt Paoletti. (Noch heute kaufen vor allem Frauen Unisex-Kleidung, nicht Männer.) Während einige Männer versuchten, die Extravaganz zurückzuerobern, die mit der Französischen Revolution verschwunden war, weckte diese sogenannte Pfauenrevolution für viele das Gespenst der Dekadenz und Homosexualität, eine Angst, die durch das Aufkommen der Schwulen-Befreiungsbewegung verstärkt wurde.” Die Ironie, betont Paoletti, war, dass “ wahre homosexuelle Männer zu dieser Zeit absichtlich unsichtbar waren …. #8217s Karriere oder sogar eine Verhaftung.” Das neue populäre und wissenschaftliche Interesse an Bisexualität war für homosexuelle Männer wirklich befreiend und bot ihnen eine kulturell akzeptable Alternative zum Schrank. Es war befreiend für die Mode, auch wenn jeder ein bisschen von jedem Geschlecht war, musste Kleidung das eine oder andere nicht so laut verkünden.

So brannte die Neuheit von Matchy-Matchy “his-n-hers”-Outfits und Every-in-Jumpsuits-Futurismus schnell zugunsten der sexyeren Androgynie aus (die Paoletti als Kleidung definiert, die männliche und weibliche Elemente kombiniert, anstatt sie zu vermeiden). Geschlechtsmarker insgesamt). 1966 stellte Yves Saint Laurent vor das Rauchen, ein Smoking für Frauen in den nächsten Jahren, würde er die männliche Silhouette in Gangster-Nadelstreifen und Safari-Khaki neu interpretieren. Halston hat sich mit dem allgegenwärtigen Ultrasuede-Hemdkleid einen modernen, femininen Twist auf einem Herrenhemd gemacht. Als aktuelle Ausstellung des FIT Museums Yves Saint Laurent und Halston: Die Siebziger gestalten zeigt, dass die Designer Frauen nicht nur in Herrenmode kleideten, sondern sie als sie selbst anzogen, in klassischen Stücken, die ihre eigene, subtil androgyne Garderobe widerspiegelten. Der Ausstellungskatalog argumentiert, dass dieser mit dem internationalen Jetset verbundene “slick and Functional Style” auch junge, berufstätige Frauen ansprach: Nicht nur Hosen, sondern auch Cabancoats, Hemden und Blazer wurden zu weiblichen Garderobenhaken.

Auch Männer experimentierten mit Androgynie. Ungewöhnlicherweise begannen Damenmodedesigner (darunter Pierre Cardin und Bill Blass) mit der Herstellung von Herrenmodelinien. Neben Tuniken, Westen, Sakkos und Pelzen bot die Nehru-Jacke Männern eine Alternative zum sprichwörtlichen grauen Flanellanzug. Nehru-Kragen, Ascots, Rollkragen und Schals machten Krawatten zumindest zeitweise obsolet. Heute tragen Frauen im Büro immer noch Hosen, Männer hingegen sind zu Anzügen und Krawatten zurückgekehrt.

Paoletti verfolgt das Ende der Unisex-Ära bis Mitte der 1970er Jahre. 1974 stellte Diane von Furstenberg ihr Wickelkleid vor, ein Kleidungsstück, das Weiblichkeit und Funktionalität vereint. Mit seiner zurückhaltenden Länge, dem geschlitzten Rock und dem tiefen V-Ausschnitt war es gleichzeitig bescheiden und sexy und konnte vom Büro bis in die Disco gehen. Das Wickelkleid umwarb Frauen von Hosenanzügen und landete von Fürstenberg auf dem Cover von Nachrichtenwoche 1976 unter der Überschrift “Rags & Riches.”

Die Unisex-Bewegung mag Frauenkleidung maskuliner gemacht haben, aber sie hat sie nie unweiblich gemacht.

Seit den 1990er Jahren verwischt die Mode jedoch wieder die Geschlechtergrenzen. Ein kürzlich New Yorker Magazin Die Geschichte führte moderne Androgynie auf Grunge zurück: Frauen trugen Flanell-Holzfällerhemden und Kampfstiefel, während Kurt Cobain in Ballkleidern und Hauskleidern posierte. (Cobains Vorliebe für Cross-Dressing von der Stange zeigte sich in den letzten Saint Laurent- und Gucci-Menswear-Shows.) Zur gleichen Zeit erschien erstmals die Lookalike-Pair-Mode (bekannt als Keo-Peul-Look) in Südkorea . Diese moderne Interpretation von “his-n-hers”-Kleidung hat sich in einem Land, in dem öffentliche Zurschaustellung von (körperlicher) Zuneigung verpönt ist, stark durchgesetzt. Koreanische Paare sind zwangsläufig androgyn, das Tragen von Röhrenjeans, Turnschuhen, Pullovern und Hoodies. Unisex-Kleidung ist heute viel zugänglicher und gesellschaftlich akzeptierter als in den 1960er Jahren. Aber diese sorgfältige Koordination ist nicht nur eine äußerliche Show, die Hardcore-Praktiker bis hin zu ihrer Unterwäsche messen. So ist die ultimative Beziehungswerbung zur ultimativen Beziehungsintimität geworden, und Unisex-Unterwäsche ist jetzt eine Sache.

In der Tat unisex alles scheint mit aller Macht zurück zu sein Rad Hourani zeigte sogar einen Unisex Haute Couture Kollektion für Frühjahr/Sommer 2015. Personnel of New York unterteilt seine Online-Angebote in Men, Women und Everyone Labels wie 69, Kowtow und The Kooples fördern Sex-Swapping. Auch das Space Age ist wieder neu Christian Diors Herbst-Couture-Show umfasste Astronauten-Overalls, während Gucci Mod-Shifts und Lackstiefel zeigte. Was sollen wir von dieser geschlechtsspezifischen Verwirrung halten oder vielleicht dieser unerbittlichen Weigerung, geschlechtsspezifisch zu verwechseln? “Die Moden der 1960er und 1970er Jahre artikulierten viele Fragen zu Sex und Gender, lieferten aber am Ende keine endgültigen Antworten,” Paoletti abschließend. Diese Fragen gingen viel tiefer als Freuds “männlich oder weiblich?” Offensichtlich kämpfen wir immer noch darum, sie zu lösen einen Smoking tragen. Psychologisch gesehen gibt es immer noch eine große Lücke zwischen einem männlichen Kleidungsstück, das an den Körper einer Frau angepasst ist, und einem männlichen Kleidungsstück. In einer Einzelhandelslandschaft, die so reich, vielfältig und manchmal verwirrend ist wie das Geschlecht selbst, tragen Männer und Frauen jedoch zunehmend die gleichen Kleidungsstücke, die sie in den gleichen Geschäften gekauft haben.  


9 geschlechtsspezifische Modetrends aus der Vergangenheit

Von Katharine Hepburn, die ihre Anzüge anzieht, bis hin zu männlichen Models, die in Muschischleifen über den Laufsteg von Gucci marschieren, sind geschlechtsspezifische Modetrends nicht gerade neu. Mode und die Menschen, die sie tragen, haben die Geschlechtergrenzen schon oft verwischt.

Trotzdem gibt es bestimmte geschlechtsspezifische Trends aus der Geschichte, die wir ernsthaft in Betracht ziehen sollten, sie wieder in unsere Schränke zu bringen – nicht nur aus ästhetischen Gründen, sondern auch, um den Freiheiten zu huldigen, die sie in die Kultur eingeführt haben. Im Laufe der Jahrzehnte hat Kleidung Menschen dazu inspiriert, aufgeschlossener und zukunftsorientierter zu werden, und die geschlechtsspezifische Fluidität in der Kleidung ist nur ein Aspekt davon.

Aber welche Looks sollten wir aus der Vergangenheit nehmen und für 2016 neu denken? Es gibt viele, die noch im Umlauf sind, aber lassen Sie uns einen Spaziergang zurück in die Modegeschichte machen und alle Möglichkeiten sehen. Unten sind neun geschlechtsspezifische Modetrends aus der Vergangenheit und warum sie heute noch großartig sind.

1. Der Teddy Boy & Girl Look

In den 1950er Jahren erlebte London eine Teddy-Boy-Explosion, bei der die Jugend edwardianisch inspirierte Silhouetten wie maßgeschneiderte Anzüge und nach hinten gekämmte Frisuren bevorzugte. Laut Vice, „1951 tauchten Jugendliche auf britischen Straßen in einem Kleidungsstil auf, der teilweise vom edwardianischen Dandy inspiriert war. Eine Ablehnung der Graustufen-Eintönigkeit der Nachkriegszeit – Demob-Anzüge und dergleichen –, es war ein stolz exzentrischer Stil, der nicht an die etablierte Ordnung anknüpfte.“ Die Uniform? Eine drapierte Jacke, die einem Zoot-Anzug ähnelte, mit maßgeschneiderten Hosen, Brogues und einer gefetteten Rückentolle. Die Mädchen variierten in diesem Look, indem sie ihre Hosen umschnallten und manchmal Schals um den Hals legten, aber das Endergebnis war das gleiche: Ein frivoler Dandy, der es satt hatte, zu knabbern.

2. Der Damen-Smoking

Yves Saint Laurent stellte 1966 den ersten Damen-Smoking her, und die klassisch männliche Silhouette stärkte die Frauen, die aus ihren Abendkleidern und in ihre Mantelschöße traten. Laut Business Insider war die Frau, die es trug, "respektlos" und forderte: "Wenn Männer das tragen können, warum kann ich das nicht?" kurz danach stylen. Sicher, der eine oder andere Promi trägt ab und zu eine Version des schnittigen Outfits auf dem roten Teppich, aber warum nicht genauso oft Manschettenknöpfe wie Paillettenkleider, wenn es um ausgefallene Affären geht?

3. Babypuppenkleider

In den 90er Jahren hatte Kurt Cobain eine Vorliebe dafür, die Bühne in allem aus Courtney Loves Kleiderschrank zu betreten, einschließlich Babypuppenkleidern und Cupcake-ähnlichen Ballkleidern. Als er gefragt wurde, warum er eine Vorliebe für die traditionell feminine Kleidersilhouette habe, antwortete er mit einem Schulterzucken, warum es wichtig sei. Entsprechend New Yorker Magazin, "Wann Melodiemacher fragte ihn 1992, warum er im Video zu "In Bloom" ein weißes Babydoll-Kleid tragen wollte, widersprach er. „Ich weiß wirklich nicht warum. Ich trage gerne Kleider, weil sie bequem sind. Wenn ich ein Laken tragen könnte, würde ich es tun. Ich weiß nicht, was ich sagen soll … wenn ich sagen würde, dass wir das tun, um subversiv zu sein, dann wäre das eine Menge Scheiße, denn Männer in Bands, die Kleider tragen, sind nicht mehr umstritten.“

In Anbetracht von Mick Jaggers Prinzessin Diana-Kragenkleidern und David Bowies Seidenkleidern könnte Cobain auf etwas gestoßen sein. Indem Männer etwas so typisch "weibliches" wie ein Kleid annehmen, haben sie die Möglichkeit, aus ihrem harten Kerl-Trope auszubrechen.

4. Crop Tops

Der Unisex-Stil begann mit dem Designer Rudi Gernreich, der glaubte, dass Männer und Frauen genau die gleichen Stile tragen können, ohne geschlechtsspezifische Anpassungen. Ob Miniröcke, kurze Tanks oder Bikini-Sets, er glaubte, dass es keinen Unterschied im Stil je nach Geschlecht geben sollte.

Während dies bei vielen Frauen überall beliebt ist, scheinen Männer immer noch ziemliche Gegenreaktionen zu bekommen. Als Kid Cudi zum Beispiel 2014 in einem orangefarbenen Crop-Top auf die Coachella-Bühne kam, gab es genauso viel Ablehnung wie Zustimmung, wie Complex mit einer Zusammenfassung der Twitter-Reaktionen berichtet.

Je mehr wir Männer mit bauchfreier Ernte sehen, desto weniger skandalös wird es sein und desto weniger neigen wir dazu, die sexuelle und geschlechtliche Zugehörigkeit aller in Frage zu stellen, wenn es um so geringfügige Dinge wie Kleidung geht.

5. Overalls

Dieses Stück aus den 1960er Jahren könnte den Anschein erwecken, als wärst du ein Paar, das gerade aus dem Gefängnis geflohen ist, aber die Idee des Trends ist das, was wir suchen und nicht die genaue Silhouette.

Das Stück hat tatsächlich einige aufregende, geschlechtsspezifische Anfänge, die von männlichen Rockstars über weibliche Showköniginnen bis hin zu zukünftigen Raumschiffbewohnern reichen. Laut Los Angeles Zeiten, "Der Strampler kam in den 1960er Jahren auf den Laufsteg, als André Courrèges seine Space-Age-Overalls in Paris zeigte. Bald passten Cher, Abba und Elvis den Look an ihre Bühnengarderoben an, während Diana Ross, Liza Minnelli und Bianca Jagger Disco im Studio 54 in Halstons drapierten, frei fließenden Einteilern tanzten."

Wenn wir dem Jumpsuit eine tausendjährige Note verleihen, könnte er für alle Geschlechter superschick werden, wobei wir den gebrannten Orangeton und die Studio 64-Kragen ablegen und durch schmal zulaufende Hosen und minimalistische Linien ersetzen. Tatsächlich hätte der Jumpsuit laut Style Blazer ohnehin schon seine Kampagne für ein Comeback starten können und bereits in den Herrenschränken auftauchen.

6. Ponchos

In den 1960er Jahren rockten sowohl Männer als auch Frauen Ponchos, was dem Hippie-Trend folgte, sich von verschiedenen Kulturen zu leihen. Egal, ob Sie Ihre Hose über eine Hose oder einen Rock geworfen haben, es spielte keine Rolle – Gemütlichkeit würde sich trotzdem einstellen. Slate berichtete: „Der Poncho ist natürlich kein neues Phänomen. In den späten 60er und frühen 70er Jahren steigerte ein Clint Eastwood mit Poncho, der durch Spaghetti-Western stolzierte, den Blick, den Frank Zappa in „Camarillo Brillo“ über Fragen der Poncho-Authentizität sang („Ist das ein echter Poncho. Ich meine Ist das ein mexikanischer Poncho? oder ist das ein Sears-Poncho?") und Susan Dey (als Laurie Partridge) machten den Poncho unter Teenagern populär, die verzweifelt ihre entspannte, verschlafene Schönheit nachahmen wollten." Während der Trend problemlos bei allen Geschlechtern funktionierte, war der leicht austauschbare " und ihre Ponchos hatten etwas mehr Kontext als nur eine Decke, die man tragen konnte.

Laut The Smithsonian: „Als die feministische Bewegung an Fahrt gewann und Frauen für gleiche Rechte kämpften, wurde ihre Kleidung androgyner. Männer hingegen legten graue Flanellanzüge – und die damit einhergehende restriktive Version von Männlichkeit – ab, indem sie sich weibliche Kleidungsstücke aneigneten.“ Jo Paoletti, Autorin von Sex und Unisex: Mode, Feminismus und die sexuelle Revolution, argumentierte, dass "Beide Geschlechter stellten die Idee von Gender als fest in Frage". Also, ob Sie es als Haltung zum Feminismus und als direkte Herausforderung der Geschlechternormen tragen möchten oder einfach nur, weil Sie denken, dass es verdammt gemütlich ist, lass uns dieses von der zurückbringen Vergangenheit.

7. Der Beatnik-Look

In den 1950er Jahren gab es eine Subkultur der desillusionierten Jugend, die den Wohlstand der Nachkriegszeit ablehnen und sich stattdessen in Philosophie und Poesie vergraben wollte. Enter the beatniks, a group of people that favored simple black turtlenecks and cigarette pants, with berets, leotards, and reading glasses thrown in for good measure. AnOther Magazine explained the subgroup, "The post-war boom which flowed over the USA in the late 1950s brought with it more than simply a greater quality of life.

With money came materialism — a plague that members of the Beat movement was determined to withstand." Because of that, their style was bare minimum and simple, where both sexes opted for lots of black and slim silhouettes that let them blend in. "While in the mainstream, adolescents were donning billowing hourglass skirts in an echo of Christian Dior’s New Look, beatniks opted for black Why should we bring this back? Simply put, a minimalist, all-black outfit arguably never goes out of style.

8. Berets

While Gucci is leading the way in bringingneed a source for this vintage silhouettes into men's closets, but the simple hat is rife with history, from being a peasant's hat in the 1550s to a political revolutionary staple. It made a strong comeback in the 20th century, symbolizing different things in different decades, from being a metropolitan staple for all genders in the '20s to a revolutionary symbol in the '60s and '70s for the likes of Che Guevara and The Black Panthers, worn by both men and women. Bring the beret back to your hat rotation: Whether you choose to channel Parisians, beatniks, revolutionaries, or 16th century peasant is up to you.

9. Three-Piece Suits

While the look has long been wildly popular for decades when it came to men, three-piece suits also became popular in the '30s for women. Bold, opinionated female movie stars like Marlene Dietrich and Dorothy Mackaill loved them, buttoning themselves into vests and throwing ties around their necks during a time where women were ostracized for simply wearing pants.

Vice pointed out that in 1939, Mode fashion editor Elizabeth Penrose spoke out against working women that would wear their pants outside of their workplace, calling them "slackers in slacks." With more than a handful of decades between us and the '30s, the three-piece suit would now look incredibly dapper on for, say, a Tuesday lunch meeting — no matter what gender you identify with.

Next time you go shopping, try to break away from your usual preferences and try out some of these time-transcending gender fluid suggestions. Who knows, you just might love them as much as your fashion forepeople did.

Images: Plaid Stallions (1) Yves Saint Laurent (1) The Face (1) Rollins-Joffe Productions (1) Super Simple (1)


Rudi Gernreich - History

Rudi Gernreich was born in 1922 in Vienna to an intellectual Jewish family. His father was a hosiery manufacturer. His aunt owned a fashion shop that sold the best Parisian knockoffs in the country. During the 1930s, his family fled from the Nazis, immigrating to Los Angeles. He became an American citizen in 1943. In L.A., he worked at a mortuary and in the publicity department at RKO Studios he also studied art at Los Angeles College. When he discovered dance after joining a West Hollywood troupe, it changed his life. He took particular note of the dance uniforms for future inspiration.

By 1950, he decided dance wasn’t paying the bills, so he began pursuing a fashion career. He relocated to New York City to work for George Camel, a coat and suit company. In 1951, he met Walter Bass, who believed in the Austrian’s talent and partnered with him to start a fashion business. Gernreich’s deconstructed sportswear was snapped up on both coasts, making him the designer to watch. He kept pushing the line with every collection. He designed a bra-free bathing suit (1952) and a knitted tube dress (1953) that hugged every curve. His main focus by the late 1950s, however, was swimwear—wool knitted and elasticized. During this time, he also created a menswear line (1956), a women’s footwear collection (1957), and hosiery/stockings (1959).

In 1960, Gernreich broke away from Bass to form his own company, G.R. Designs. He continued to push boundaries with clothing that appealed to women of all ages. His hemlines were cut above the knee—scandalous for the time. Nothing could prepare the world for his next big move—the creation of the topless swimsuit called a monokini. A one-piece suit with a strap between the two breasts, putting them prominently on display, shocked the still prudish public in 1964. Stores that carried the bathing suit were picketed and even received bomb threats. Over 3,000 suits were sold, but only one person in the States was ever spotted wearing it, and she was quickly arrested. If he hadn't been famous before, he was now.

For the next few years, the radical Gernreich clothing was a hot commodity, particularly with teens and 20-30 somethings. He continued to design clothing that moved by using malleable materials. He also used diametrically opposed colors (like lime and purple) and bold graphics in his designs. Some of his wackier concepts included jackets with one round collar and one-pointed collar white satin tuxedos, and military safari clothing complete with dog tags. At his peak, he opened a showroom in Manhattan, exhibiting his knits via Harmon Knitwear and more of his avant-garde designs.

In the early 1970s, he also concocted the concept of "unisex" clothing—that which can be worn by men or women. Some of his biggest unisex designs were knit bell-bottom trousers, floor-length kaftans, Y-front women's underwear, and midriff tops. Other designs that rocked the fashion world were his thong bathing suit that showed off the buttocks, chiffon T-shirt dresses, see-through tops, and vinyl mini-dresses.

From 1970-1971, he designed furnishings for Fortress and Knoll International, and in 1975 he created men's style underwear for Lily of France. Kitchen and bathroom accessories, rugs, and bedding were added to his output, as were cosmetics in collaboration with Redken. Before leaving fashion, he went out with a bang in 1982 by designing the "pubkini," which revealed the wearer's pubic hair. In 1985, Gernreich died of lung cancer in 1985 at age 62.


A queer history of fashion

Fashion is queer and we know it. So why don’t we talk about it? From Christian Dior to Alexander McQueen, Yves Saint Laurent and Jil Sander many of the world’s greatest designers have identified as LGBTQ. And for centuries, fashion has been an instrument of expression and experimentation for this community. The sex-charged creations of designers like Walter Van Beirendonck, and the androgynous looks flooding fashion week’s runways, prove that sexuality and the way we style ourselves are inextricably entwined. Yet, until now, there had never been an in-depth study on the subject.

‘A Queer History of Fashion: From The Closet To The Catwalk’, explores how gender and sexuality have been inspiring and informing fashion for over 300 years. Edited by Valerie Steele, director and chief curator of The Museum at the Fashion Institute of Technology, New York, the book accompanies an MFIT’s exhibition of the same name. It features contributions by some of the world’s most acclaimed scholars of gay history and fashion.

This complex subject is Steele’s thing: she has previously penned books on fashion and eroticism, fetish and gothic style – to name a few. For Steele, fashion is chained to identity, to which sexuality is heart and soul.

Dazed Digital: When you think about how many big name designers are gay it’s actually quite mind-blowing.

Valerie Steele: That was one of the main reasons why Fred [Dennis, co-curator] and I wanted to do this as a subject. It’s like an open secret – everybody knows this but nobody ever really talks about it.

DD: Why has the LGBTQ community always shared such close ties with fashion?

Valerie Steele: It’s complicated because it goes way back further than we’d thought. It involves the whole history of oppression and secrecy surrounding gay sexuality, which was illegal for many years and regarded as a mental illness. So I think gays and lesbians had to be hyper aware of how to read and analyse clothes so as to dress in a way that would allow them to communicate with other people but not to be recognised by a homophobic society. I think another aspect is that fashion is one of the so-called ‘artistic’ professions. And gays have been involved in a lot of those. Once gay people started to work in the fashion industry it started the beginnings of a more welcoming setting for other gays to enter into.

DD: When was this happening?

Valerie Steele: Certainly as early as the 1920’s but probably sooner than that. Gays were already interested in fashion in the 18th and 19th centuries, though we don’t have the names of explicit couturiers. Some of our sources talked about the desire to express oneself in a way other than verbally and the desire to create an alternative world of beauty.

DD: Is there a gay aesthetic?

Valerie Steele: Not just one. Each individual designer has his or her personal style and that’s also tied in with the style of a particular period. So you can see both idealising trends and also transgressive trends in gay design. You can see idealised feminine beauty in the work of say, Dior. But then if you go back a couple of decades to the thirties and the work of somebody like Mainbocher it’s a very different aesthetic.

Butch Chanel, Wigstock, NYC, 1992 Photograph by Michael James O’Brien, c.2013

DD: Marc Jacobs once said, “I don’t believe my sexuality has any bearing on how I design clothes.” Die Gedanken?

Valerie Steele: I think that every component of a person’s individuality does: their age, their sexuality, where they’re from it doesn’t determine it but it influences it. He might be right, speaking personally. But I think that collectively over time it would be highly likely to have an influence.

DD: During this fashion week and for some time we’ve seen a lot of experimentation with androgyny and a neutral space between male and female. Does the LGBTQ influence have something to do with this?

Valerie Steele: Yes I think so. It’s not the sole cause, but historically you look back and you see that from the 19th century on and even earlier many lesbians were attracted to men’s tailored suits and there was the whole concept of whether LGBTQ people were like a third sex, in-between. Somebody like Rudi Gernreich felt that unisex and androgynous clothes might provide a new space for freedom for both men and women.

Dazed Digital: Is there the potential for a third sex in fashion?

Valerie Steele: Well, the bodies are different so a perfect androgyny would be unlikely. And then of course people do want to play with the idea of secondary sexual characteristics and gender as a theme. But I think it does indicate a growing sense of freedom and possibility that people of all sexes, all genders and all ages are able to find a kind of fashion that expresses who they are.

Dazed Digital: Why do we hear so much about gay designers but not so much about lesbian designers?

Valerie Steele: I think there have been more lesbian and bisexual contributions to fashion than we have known about. It’s been much more discreet – for whatever reason women have decided to be more under the radar about their sexuality. Somebody like Madeleine Vionnet, arguably the greatest couturier of the 20th century, was probably bisexual. But she was very discreet about that until in old age when she gave a couple of interviews where she talked about her attraction to beautiful women and so on. Even today it’s relatively rare for bi and lesbian women to be know even within the fashion community let alone within the world at large. It may just be that it’s tough enough to be a woman without having to deal with other people’s prejudice.


Eine Geschichte der Damenbademode

Vom 18. Jahrhundert bis heute hat sich die Bademode für Damen beispiellos verändert. Die Veränderungen in der Damenbademode im Laufe der Geschichte haben soziologische und technologische Faktoren widergespiegelt, daher fungiert das Kleidungsstück als Barometer der Zeit.

Badebekleidung wird grob als eine Kategorie von Kleidungsstücken definiert, die häufig bei Wassersportaktivitäten wie Schwimmen oder Baden getragen wird. Von Bademode wird erwartet, dass sie unterschiedliche Anforderungen erfüllt. Für Wettkampfschwimmer wird ein stromlinienförmiges und eng anliegendes Kleidungsstück bevorzugt, das Reibung und Widerstand im Wasser reduziert, um Vortrieb und Auftrieb zu verbessern. Für den Freizeitgebrauch muss Bademode modisch sein und gleichzeitig ihre Funktionalität bewahren, zum Beispiel die Bescheidenheit des Trägers schützen und den Einflüssen von Elementen wie Wasser und Sonnenlicht standhalten. Die Erforschung der Geschichte der weiblichen Bademode und deren Entwicklung im Laufe der Zeit und über Kontinente hinweg gibt nicht nur einen Einblick in Modetrends und technologische Fortschritte bei Materialien und Design, sondern auch eine Erforschung der weiblichen Befreiung.

18. Jahrhundert

Im 18. Jahrhundert wurde das Baden im Meer zu einer beliebten Freizeitbeschäftigung. Es wurde angenommen, dass das Baden im Meer erhebliche gesundheitliche Vorteile mit sich bringt, und wurde daher sowohl für Frauen als auch für Männer gefördert (Kidwell). Von einem vollständigen Eintauchen wurde jedoch abgeraten. Dies wurde insbesondere für Frauen als wichtig erachtet, da die Aktivität im Wasser nicht als weiblich genug angesehen wurde. Zum Baden trugen die Frauen weite, offene Kleider, die dem Hemdchen (Kidwell) ähnelten. Diese Bademäntel waren im Wasser angenehmer zu tragen, insbesondere im Vergleich zu restriktiverer Tageskleidung.

Der Badeanzug in Abbildung 1 stammt aus dem Jahr 1767 und gehörte Martha Washington, der Frau des damaligen Kommandanten der Kontinentalarmee und späteren ersten US-Präsidenten George Washington. Das blau-weiß karierte Kleid ist aus Leinen und im legeren Etui-Stil gehalten. In jedes Viertel des Kleides, knapp über dem Saum, sind kleine Bleigewichte eingenäht. Dies sollte sicherstellen, dass das Kleid nicht im Wasser auftauchte und Frauen dabei half, ihre Bescheidenheit zu bewahren. Es ist bekannt, dass Martha Washington in den Sommern 1767 und 1769 zu den berühmten Mineralquellen in Berkeley Springs, West Virginia, reiste, um die offensichtlichen gesundheitlichen Vorteile zu genießen.

Abb. 1 - Hersteller unbekannt (amerikanisch). Bademantel, ca. 1767-1769. Leinen, Blei. Mount Vernon: George Washingtons Mount Vernon, W-580. Geschenk von Mrs. George R. Goldsborough, Vizeregentin für Maryland 1894. Quelle: George Washingtons Mount Vernon

19. Jahrhundert

Im 19. Jahrhundert übertraf die Popularität von Freizeitaktivitäten im Wasser den Wunsch, aus gesundheitlichen Gründen zu baden. Damit wurden die locker sitzenden Chemise-Kleider immer taillierter und komplexer und replizierten die Silhouetten der Damenmode.

Die oberste Priorität für Frauen, die an Wasseraktivitäten teilnahmen, war es, ihre Bescheidenheit zu bewahren. Während das Baden aus gesundheitlichen Gründen aus der Mode kam, neigten Frauen immer noch dazu, im Wasser zu baden oder zu paddeln. Dies lag daran, dass kräftige Bewegung im Wasser nicht als damenhaft galt. Die Bademode für Damen musste diese Vorstellung von Angemessenheit widerspiegeln, wie sie von der zeitgenössischen Gesellschaft definiert wird. Badekleidung würde aus einem Badekleid, Schubladen und Strümpfen bestehen, oft aus Wolle oder Baumwolle. Diese Stoffe würden bei Nässe schwer werden und waren kaum für anstrengende Aktivitäten geeignet. In diesem Fall kann gesagt werden, dass Badebekleidung für Frauen, die die Bewegungsfreiheit im Wasser verbot, die sozialen und physischen Zwänge von Frauen in der patriarchalen Gesellschaft des 19. Jahrhunderts widerspiegelte und aufrechterhielt.

Abb. 2 - William Heath (Briten, 1794-1840). Meerjungfrauen in Brighton, 1825-1830. Etching. London: Britisches Museum, 1868,0808,9134. Gekauft von Edward Hawkins (Nachlass). Source: British Museum

Abb. 3 - Designer unbekannt (amerikanisch). Badeanzug, 1870er Jahre. Wolle. New York: Metropolitan Museum of Art, 1979.346.18a, b. Geschenk der New York Historical Society, 1979. Quelle: The Met

Während der viktorianischen Zeit, die für ihre strengen moralischen Werte bekannt ist, benutzten Frauen beim Ein- und Aussteigen häufig Bademaschinen, wie in Abbildung 2 dargestellt. Bademaschinen waren kleine Häuschen auf Rädern, die von Pferden in und aus tieferen Gewässern gezogen wurden. Sie boten Frauen einen Ort, an dem sie sich ungestört umziehen konnten, bevor sie sich direkt ins Meer begaben.

Bis in die 1880er Jahre trugen Frauen weiterhin Badekleider, wie in den Abbildungen 3 und 4 zu sehen. Diese Kleidungsstücke hatten hochgeschlossene, lange Ärmel und knielange Röcke. Es wurden noch Leinen- und Wollstoffe verwendet. Frauen trugen oft Gürtel in der Taille, um die beliebte Silhouette der Zeit nachzuahmen. Unter dem Badekleid trugen Frauen Pumphosen, um ihre Bescheidenheit zu bewahren.

Eine alternative Badebekleidung für Frauen, die gegen Ende der viktorianischen Ära populär wurde, war der Prinzessinnenanzug (Kennedy 23). Dies waren einteilige Kleidungsstücke, bei denen die Bluse an der Hose befestigt war. Darüber trugen die Frauen einen halbhohen Rock, der die Aufmerksamkeit von der Figur der Trägerin ablenkte. Die Kleidungsstücke waren tendenziell dunkel gefärbt, was bedeutete, dass Betrachter nicht erkennen konnten, ob das Kleidungsstück nass war. Die Anzüge waren nicht die praktischsten, schränkten die Armbewegungen der Träger ein und beschwerten sie im Wasser.

Der Princess-Anzug war ein Katalysator für die bevorstehenden erheblichen Veränderungen bei der Damenbadebekleidung. Am offensichtlichsten war der Princess-Anzug der Beginn des einteiligen Badeanzugs für Frauen (Abb. 5). Veränderungen traten schnell ein, als die Aktivitäten von Frauen im Wasser gesellschaftlich akzeptabler wurden. Erstens wurden in den 1890er Jahren die Hosen des Prinzessinnenanzugs gekürzt, damit sie unter dem Rock nicht zu sehen waren. Das Material, aus dem ein Prinzessinnenanzug hergestellt wurde, bewegte sich weg von Flanell, das bei Nässe schwer wurde, hin zu Serge und anderen gestrickten Materialien (Kidwell).

Fig. 4 - Artist unknown. Badekostüm, von The Delineator, Juli 1884. Washington D.C.: Die Smithsonian Institution, Foto 58466. Quelle: Alamy

Abb. 5 - Hersteller unbekannt (amerikanisch). Badeanzug, 1890-95. Baumwolle. New York: Das Metropolitan Museum of Art, 1975.227.6. Geschenk von Theodore Fischer Ells, 1975. Quelle: The Met

1900-1945

Im Laufe des 20. Jahrhunderts erfuhr die Bademode für Damen aufgrund der materiellen Fortschritte und zunehmend liberaleren Modetrends erhebliche Veränderungen.

Im frühen neunzehnten Jahrhundert entwickelte sich Schwimmen als Wettkampfsport. Seine Popularität festigte sich jedoch erst bei seinem ersten Auftritt bei den Olympischen Spielen im Jahr 1896. Bei den Olympischen Spielen 1912 durften erstmals Frauen im Schwimmen antreten. Annette Kellerman (Abb. 6), einer Schwimmerin aus Australien, ist zu verdanken, dass sie die gesellschaftliche Einstellung zur Akzeptanz der weiblichen Teilnahme am Schwimmen verändert und die Modernisierung der weiblichen Badebekleidung begonnen hat. Kellerman wurde wegen ihrer Schwimmfähigkeiten "die australische Meerjungfrau" genannt. Sie war dafür bekannt, den Ärmelkanal zu schwimmen und berühmt für ihre Auftritte in Hollywood-Filmen (Schmidt und Tay).

1905 wurde Annette Kellerman eingeladen, vor der britischen Königsfamilie aufzutreten, ihr Badeanzug war jedoch verboten, da er eng anliegend war und die untere Hälfte ihrer Beine entblößte. Kellerman weigerte sich, in einem unbequemen und schlecht sitzenden Kleidungsstück anzutreten, das ihren Bescheidenheitsstandards entsprach, also nähte sie stattdessen schwarze Strümpfe an ihren Badeanzug, wie in Abbildung 6 zu sehen. Kellerman stieß erneut auf Schwierigkeiten, als sie in Boston antrat. Ihr Badeanzug wurde als unanständig angesehen, dies wurde jedoch zu ihren Gunsten überstimmt, da der Richter zustimmte, dass schwere und schlecht sitzende Badeanzüge unpraktische Kleidungsstücke zum Schwimmen waren. Dieser Vorfall wurde in den Medien weithin bekannt gemacht, und obwohl Kellermans Aktion eine befreiende Wirkung auf weibliche Bademode hätte haben können, führte sie leider in einigen Teilen der Welt zu einem harten Vorgehen gegen weibliche Unbescheidenheit, wobei die Polizei daran arbeitete, strenge Verhaltensrichtlinien für Kleidung durchzusetzen.

Abb. 6 - George Grantham Bain (Amerikanisch, 1865-1944). Frau Annette Kellermann, ca. 1905. Glasnegativ. Washington D.C.: Library of Congress, LC-B2-738-5 [P&P]. Quelle: LOC

Abb. 7 - Jantzen (1910-). Jantzen 1910-2010, 2010. Quelle: Lingerie Talk

In den 1910er Jahren war Jantzen, ursprünglich bekannt als Portland Knitting Company, der führende Hersteller von Badeanzügen (Abb. 7). Dies war der Beginn des technologischen Fortschritts in der Materialität von Bademode. Zunächst produzierte Jantzen sogenannte „Wollanzüge“ für Rudervereine. Dies wurde sehr populär und so vermarktete Jantzen es einem breiteren Publikum. Erst 1921 bezeichnete Jantzen das Kleidungsstück als Badeanzug. Speedo, das australische Bekleidungsunternehmen, begann 1914 mit Bademoden zu experimentieren. Für beide Geschlechter waren die All-in-One-Kleidungsstücke eher kurzärmlige oder westenartige Oberteile mit langen Beinen. Während die Sozialreform begonnen hatte, hinkte der kommerzielle Sektor hinterher. Daher vermarkteten sowohl Jantzen als auch Speedo ihre All-in-Ones während der 1910er Jahre weiterhin als Badeanzüge.

Nach dem Ersten Weltkrieg begannen sich die Trends bei der Bademode für Damen von Kontinent zu Kontinent zu unterscheiden. In Amerika und Europa trugen Frauen gestrickte Badebekleidung, die den Badeanzug ersetzte, jedoch gab es je nach Wohnort leichte Anpassungen. In Amerika bevorzugten Frauen einen praktischen und sportlichen Look, während europäische Frauen sich für schlankere Badeanzüge entschieden, die eng am Körper anliegen. Ein weiterer wesentlicher Unterschied zwischen den beiden Modetrends bestand darin, dass die Bademode für Damen in Amerika einer sehr großen Mittelschicht zugänglich war, während es in Europa klare Klassenunterschiede gab, was Frauen sich leisten konnten oder nicht, um sie am Strand zu tragen. Eine wohlhabende Frau konnte sich dadurch abheben, dass sie einen Badeanzug aus Seidenjersey trug, anstatt einen gestrickten (Kidwell). Kennedy wiederholt dies, als sie schrieb:

„Beide Seiten des Atlantiks favorisierten das praktische einteilige ‚Maillot‘, aber in Frankreich waren die Hosenbeine kürzer, das Strickbündchen feiner gewebt und die Dekoration auf ein Minimum beschränkt.“ (34)

Während die von Frauen getragenen Maillot-Kostüme Verbesserungen gegenüber dem waren, was sie vor der Jahrhundertwende tragen mussten, hatten sie immer noch ihre Unpraktiken. Aufgrund der Materialität des Kleidungsstücks neigten die gestrickten Badeanzüge bei Nässe dazu, sich zu verformen. Das Gewebe absorbierte viel Wasser, was zur Dehnung und zum Durchhängen des Badeanzugs führte. Diese Probleme gefährdeten oft die Bescheidenheit der Frauenbadeanzüge, die die Zwischenkriegsgesellschaft betrafen.

Abb. 8 - Fotograf unbekannt. Vogue Titel, Juli 1932. Quelle: Vogue-Archiv

Abb. 9 - Neyret (Französisch). Badeanzug, 1937. Maschinengestrickte Wolle. London: Victoria and Albert Museum, T.293-1971. Quelle: V&A

Während dieser Zeit begann Bademode in Zeitschriften als modische Kleidungsstücke zu erscheinen (Abb. 8), als Modedesigner sich der Herstellung von Bademode widmeten. Coco Chanel kreierte einen einteiligen Badeanzug, gewebt aus einem Boucle-Stoff, der fast als Unisex hätte durchgehen können (Kennedy 48). Chanels Ausflug in die Bademode brachte sie in die moderne Mode. Jean Patou, der mit seiner Schwester Madeleine zusammenarbeitete, war damals wohl der bekannteste Sportswear-Designer. Bademode war auch in den Cannes-Boutiquen von Lanvin, Molyneux, Schiaparelli und Poiret (Kennnedy 53) zu finden.

Die 1930er Jahre wichen der Gesundheits- und Fitnessbewegung, die einen fitten und gesunden weiblichen Körperbau begünstigte. Um ihre Figur zu erhalten, wurden Frauen ermutigt, an Sport teilzunehmen, allerdings nur auf eine Art und Weise, die als damenhaft angesehen wurde. Schwimmen war eine dieser Übungen, die auch Frauen die Möglichkeit gab, mit Bräunen zu experimentieren. Gegen Ende der 1920er Jahre war gebräunte Haut kein Kennzeichen der Arbeiterklasse mehr, sondern wurde in Mode und vermittelte, dass man Urlaub machte und damit wohlhabend war. Im Jahr 1932 patentierte Elsa Schiaparelli einen rückenfreien Badeanzug mit integriertem Büstenhalter, der ausschließlich dazu diente, beim Sonnenbaden Bräunungsstreifen durch Badeanzugträger zu vermeiden (Snodgrass 566).

Die jungenhaften Silhouetten gehörten der Vergangenheit an, da Frauen nach formschöneren Figuren suchten. Der Badeanzug in Abbildung 9 ist ein maschinengestricktes Wollkleidungsstück aus dem Jahr 1937. Wolle wurde wegen ihrer leicht elastischen Eigenschaften bevorzugt. Der Badeanzug hat dünne Träger, die es Frauen ermöglichen, die Sonne auf ihren Schultern einzufangen. Es gibt eine gerippte Taillenpartie, die zusätzlichen Halt gegeben und die weibliche Figur verbessert hätte. Die Slip-ähnlichen Unterteile bewahren die Bescheidenheit der Trägerin.

1945-1999

Lastex-Garn (Abb. 10) wurde 1931 erfunden (Kennedy 71). Dies war ein Wendepunkt für Bademode, als sie regelmäßig in der Produktion verwendet wurde. Üblicherweise wurden gestrickte Badeanzüge aus Wolle hergestellt, die bei Nässe ihre Form verlieren würde. Die Einführung von Lastex-Garn in die Damenbadebekleidung bedeutete, dass die Kleidungsstücke ihre Form im und außerhalb des Wassers behalten. Lastex wurde oft mit Kunstfasern wie Rayon kombiniert, was zu einem dehnbaren und glänzenden Stoff führte (Kennedy 71). Badeanzüge konnten nun in einer viel größeren Auswahl an Farben und Drucken hergestellt werden (Kennedy 71). Ende der 1940er-Jahre brachte Christian Dior außerdem seinen New Look auf den Markt, der aus taillierten Taillen und weiten Röcken bestand und die weibliche Form betonte. Dieses aufregende Design verlagerte den Trend zu femininen und sanduhrförmigen Figuren für Frauen, auch in der Bademode. In dieser Lastex Garnwerbung von ca. 1950 (Abb. 10) spiegeln die figurbetonten Badeanzüge die modischen femininen Nachkriegssilhouetten wider.

Einer der bedeutendsten Momente in der Geschichte der Damenbademode war die Kreation des Bikinis im Jahr 1946. Das Design des Bikinis wird zwei verschiedenen Designern zugeschrieben, die das revolutionäre Kleidungsstück gleichzeitig eingeführt haben. Jacques Heim, ein französischer Modedesigner, kreierte im Mai 1946 ein minimalistisches zweiteiliges Schwimmkleid namens Atome. Heims Atome hatte ein BH-ähnliches Ober- und Unterteil, das den Po und den Nabel bedeckte. Später in diesem Jahr, im Juli 1946, entwarf Louis Réard, ein Ingenieur, der zum Designer wurde, das, was er den Bikini nannte. Réards knappes Design, das in Abbildung 11 dargestellt ist, bestand aus nur vier Materialdreiecken, die mit einer Schnur zusammengehalten wurden. Die beiden Designs wetteiferten um die öffentliche Aufmerksamkeit und während Heims Kleidungsstück das erste war, das am Strand getragen wurde, blieb der Begriff Bikini, wie er von Réard geprägt wurde, haften.

Der Aufstieg der Filmindustrie und Hollywood-Glamour, der die weibliche Form in seiner Gesamtheit feierte, hatte einen großen Einfluss auf die Bademodenbranche. 1952 spielte Bridget Bardot in dem französischen Film mit Manina, das Mädchen im Bikini. Mit gerade einmal 17 Jahren war Bardot eine der ersten Frauen, die einen Bikini auf der großen Leinwand trug. Gegen Ende des Jahrzehnts, 1956, erschien Bardot wieder im Bikini in Und Gott schuf die Frauen. Diese Auftritte brachten den Bikini in die Mainstream-Medien und leiteten damit den Übergang des Kleidungsstücks von empörend und schockierend zu alltäglich ein. Entsprechend Mode, Mitte der 1950er-Jahre wurde Bademode eher als „Zustand des Anziehens, nicht des Ausziehens“ (Delis Hill 63) gesehen und veranschaulichte, wie freizügige Modetrends allmählich akzeptiert wurden, auch wenn die Gesellschaft noch nicht ganz auf den Bikini vorbereitet war.

Abb. 10 - Künstler unbekannt. Vor dem Bikini: „Um Ihrer Figur in diesem Sommer zu schmeicheln, wählen Sie einen Badeanzug, der die langanhaltende Elastizität des Lastex-Garns bietet…“, ca. 1950er Jahre. Quelle: Alamy Stockfotos

Abb. 11 - Fotograf unbekannt (Französisch). Bikini im Molitor-Schwimmbad, 1946. Quelle: Getty Images

Abb. 12 - Willy Rozier (Französisch, 1901-1983). Bridget Bardot, 1952, Manina, Das Mädchen im Bikini, mit Jean-Francois Calve, Ullstein Bild Dtl, 1952. Quelle: Getty Images

In Bezug auf das Wettkampfschwimmen führte Speedo 1956 erstmals Nylon in Badebekleidung ein (Kennedy 10). Für die Olympischen Spiele in Melbourne 1956 kreierte Speedo die bekannten Herren-Speedo-Shorts (Kennedy 10). Es überrascht vielleicht nicht, dass die technologischen Fortschritte in der Materialität für den Einsatz im Wettkampfschwimmen der Männer vor dem Wettkampfschwimmen der Frauen priorisiert wurden. Es dauerte jedoch nicht lange, bis auch die Wettkampf-Bademode für Damen die hydrodynamischen Eigenschaften von Nylon nutzte. In den 1970er Jahren führte Speedo Elasthan in seine Bademode ein. Die Kombination aus Elasthan und Nylon reduziert den Wasserwiderstand deutlich und verbessert die Strapazierfähigkeit der Bademode.

Abb. 13 - Rudi Gernreich (Amerikaner, geb. Österreich, 1922–1985). Badeanzug, 1964. Wolle, elastisch. New York: Metropolitan Museum of Art, 1986.517.13. Geschenk von Betty Furness, 1986. Quelle: The Met

Abb. 14 - William Claxton (amerikanisch, 1927-2008). Peggy Moffit, Monokini von Rudi Gernreich, 1964. Quelle: Feature Shoot

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts experimentierten Designer weiterhin mit Bademode. Emanuel Ungaro, André Courrѐges, Giorgio Armani, Oscar de la Renta und Calvin Klein begannen in den 1960er Jahren mit dem Verkauf von Konfektionsbademode (Snodgrass 567). 1964 brachte der Designer Rudi Gernreich seinen ikonischen Monokini auf den Markt (Abb. 13-14). Das erste Topless-Kleidungsstück, der Einteiler, bestand aus eng anliegenden High-Waist-Höschen, die von dünnen Neckholder-Trägern gehalten wurden. So stellte Gernreichs Monokini konservativer Kleidung Unbescheidenheit gegenüber.

Abb. 15 - Fotograf unbekannt. Nicolette Sheridan beim 1988 Kauai Lagoons Celebrity Sports Invitational, 1988. Quelle: Getty Images

Abb. 16 - Fotograf unbekannt. Pamela Anderson, Baywatch, 1995. Quelle: Harper's Bazaar

Gegen Ende des 20. Jahrhunderts wurde die Bademode für Damen immer kühner und farbenfroher, was die damaligen Modetrends widerspiegelte. Bikinis und Badeanzüge waren nach wie vor die beliebteste Bademode, die nun hoch geschnittene Beine, trägerlose Bandeau-Bikinioberteile und sogar passende Sarongs zeigten (Abb. 15). Die Fernsehsendung Baywatch, das 1989 zum ersten Mal ausgestrahlt wurde, wurde bekannt für die knallroten, hoch geschnittenen Badeanzüge seiner Charaktere (Abb. 16). Diese Bademode hat den Einteiler in dieser neuen Form wieder populär gemacht.

21. Jahrhundert

Das Wettkampfschwimmen im 21. Jahrhundert hat weiterhin von technologischen Fortschritten bei Formen und Materialien profitiert. 2008 brachte Speedo den LZR Racer auf den Markt, abgebildet in den Abbildungen 17 und 18. Der körperlange Badeanzug besteht aus Elasthan-Nylon und Polyurethan. Diese Badeanzüge waren umstritten, da viele der Meinung waren, dass die verwendeten Materialien aufgrund ihrer hydrodynamischen Eigenschaften einen unfairen Vorteil verschafften. Nach ihrem Einsatz bei den Olympischen Spielen 2008 in Peking, bei denen Athleten, die den LZR trugen, hervorragende Leistungen zeigten, wurde das Reglement für Badebekleidung bei den Olympischen Spielen überarbeitet. Es wurde der Schluss gezogen, dass Damenbadebekleidung nur schulter- bis knielang sein darf.

Seit den 2000er Jahren werden viele Bademodentrends für Frauen aus dem 20. Jahrhundert aufgrund der zyklischen Natur der Mode neu aufgegriffen. 50er Jahre Einteiler, hoch geschnitten Baywatch Bademode und winzig kleine Bikinis werden oft am selben Strand gesichtet. Damenbademode ist nach wie vor mehr als nur ein funktionelles Kleidungsstück, sie muss auch modisch sein. Etwas, das im 21. Der Druck, am Pool auf eine bestimmte Art und Weise auszusehen, lässt langsam nach. Während das 20. Jahrhundert darauf abzielte, Gesetze zu beseitigen, die die Bescheidenheit von Frauen kontrollieren, wird das 21. Jahrhundert vielleicht die Ära sein, in der Damenbadebekleidung für alle inklusiv wird.

Abb. 17 - Fotograf unbekannt. Speedo lanciert den schnellsten Badeanzug der Welt, 2008. Quelle: Getty Images

Abb. 18 - Mike Stobe (Amerikaner). Speedo Badeanzug Launch, 2008. Quelle: Getty Images

Verweise:
  • Delis Hill, Daniel. Wie in der Vogue gesehen. Texas: Texas Tech University Press. 2007. https://www.worldcat.org/oclc/1027144384
  • Kay, Fiona und Storey, Neil. R. 1940er Mode. England: Amberley Publishing, 2018. https://www.worldcat.org/oclc/100792685
  • Kennedy, Sarah. Vintage Bademode: Eine Geschichte der Mode des 20. Jahrhunderts. London: Carlton. 2010. https://www.worldcat.org/oclc/1089738980
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Über den Autor

Fiona Ibbetson

Fiona Ibbetson ist eine in London ansässige Forscherin für Modewissenschaft und Designgeschichte. Sie hat kürzlich ihren MA Fashion Critical Studies an der Central Saint Martins University of the Arts London abgeschlossen und hat einen BA in Anthropologie der University of Exeter.


How L.A. designer Rudi Gernreich shifted fashion politics

Wander the new exhibition “Fearless Fashion: Rudi Gernreich” at Skirball Cultural Center in Brentwood and you’ll quickly see how Rudi Gernreich, a gay, Jewish dancer-turned-designer and an activist, was ahead of his time in terms of the scope of his designs and how he saw the future and humanity evolving.

The retrospective, which runs through Sept. 1, celebrates the work of an innovative designer who challenged thoughts on gender, sexuality and diversity, particularly during the 1960s and ’70s, and who once said, “You are what you decide you want to be.”

Gernreich, who died of lung cancer in 1985, predicted that people wouldn’t distinguish between masculine and feminine in the future and instead would seek comfortable, utilitarian clothes that weren’t overly frilly or ornate. Klingt bekannt?

Among the 80-plus looks and pieces in the exhibition — which also includes oral histories, letters and other artifacts — are styles that immediately recall the ’60s and ’70s: the loud colors, the geometric designs, the bold cuts. But there are also fashion game-changers that speak to the ideal that people should be free of self-imposed or societal restrictions, including unisex caftans, thong bathing suits and swimsuit tops free of underwire.

One afternoon earlier this week, former model Renée Holt, who later worked in movie animation and special effects, strolled through the Gernreich exhibition remembering her days with the designer. The 72-year-old Glendale resident, who also appears on video in “Fearless Fashion” in an oral history, briefly modeled for Gernreich during the early 1970s when he was promoting his unisex fashion. Together, they took work trips to Chicago Osaka, Japan and elsewhere.

Back then, Holt said, she was close to giving up on modeling when her agent called her about Gernreich. Despite being shy, Holt shaved her head and body and posed nude for Gernreich’s projects. She also appeared in a photo with a shaved head wearing one of Gernreich’s unisex black catsuits.

“I felt a lot less repressed as a woman after being with Rudi and hanging around him and [his partner] Oreste,” she said, adding that the experience of working with Gernreich forever changed her as a person, especially after growing up in a conservative family.

Standing at a display of a mannequin wearing the unisex catsuit, its pose mimicking the bent-leg, bent-back pose that she struck during the photo shoot decades ago, Holt said: “This was me. I don’t remember bending that way. Then again, it was 50 years ago. … I was bendy back then. I tried to do it the other day and ended up in bed for two days.”

Gernreich immigrated to Pasadena in 1938 after fleeing Nazi-occupied Austria. His first job was at a morgue. Later, Gernreich, a founding member of the Mattachine Society, one of the first LGBTQ organizations in the U.S., moved from dance into fashion during the 1940s and ’50s. He worked with the likes of entrepreneur Hattie Carnegie and Hollywood costume designer Edith Head and eventually had a deal with retailer Montgomery Ward. (Toward the end of his life, Gernreich mostly abandoned fashion and got into making gourmet soups and housewares.)

Through his fashion career, Gernreich used his clothes to shift thought and raise awareness. For example, he created thong swimwear for women and men, which is on display in “Fearless Fashion,” to protest the city of Los Angeles prohibiting nude sunbathing in 1974.

Another of Gernreich’s groundbreaking pieces on display is the monokini, a topless swimsuit style he created for Look magazine after he told Women’s Wear Daily in 1962 that “bosoms will be uncovered in five years.”

A back-view photo of the monokini appeared in Look, and a front-facing photo appeared in WWD in 1964 worn by the designer’s collaborator and muse, model Peggy Moffitt. (Moffitt co-authored a 1991 book about Gernreich and his work and loaned many of the pieces in this exhibition.) About 3,000 monokinis were sold, and according to his 1985 obituary in The Times, Gernreich, who had a studio in West Hollywood, received praise for his design at the time but was “denounced by the Vatican, the Kremlin and many American clergymen. He received hundreds of letters, many threatening violence.”

Included in the mix on display are pieces from Gernreich’s statement-making 1970-’71 resort collection, which featured military-inspired pieces outfitted with dog tags and rifles. The pieces were shown after the Kent State shootings in 1970.

Also featured in “Fearless Fashion” is a controversial design — a women’s pantsuit, named after gender-bending actress and singer Marlene Dietrich, from the 1960s. Coming before Yves Saint Laurent’s iconic Le Smoking suit, Gernreich’s suit was banned from appearing at the Coty fashion awards.

It was one of the Gernreich pieces that stopped designer Humberto Leon, co-creator of Opening Ceremony and co-designer of French label Kenzo, in his tracks during a recent visit to the “Fearless Fashion” exhibition for which Leon was a consultant.

“Rudi was so much more than a fashion designer,” said Leon, who became involved in the exhibition about two years ago. “He was a political commentator. He was really reacting to the world, and I think [he was] globally influential. His approach to design and the way he used clothing as commentary on the times is something that was super-inspiring.

“I think there’s a timelessness to all of this,” he said, adding that Gernreich’s work easily could be part of fashion in 2019. (The Gernreich label was relaunched in 2018, and pieces are sold at retailers including Ssense and Farfetch.) “That’s because he was beyond fashion. He was making statements. He was freeing women. He was liberating.”

Zigzagging through the exhibition, Leon said visitors to “Fearless Fashion” should remember to take a closer look at the Gernreich pieces on display and consider the mores of the time and the news of the day.

“He really challenged all of those ideas,” Leon said, adding that people today would less likely be outraged by a thong or pantsuit. “The definition of masculinity and femininity were very blurred [in Gernreich’s work], and I think that’s so modern today.”


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